28 avril 2007
Nous avons fêté nos 30 ans à la salle Olympe de Gouges dans le 11ème.
 
Christian Pagès
Et professeur de chant, danse et théâtre à l’école
 
Directeur de l’école
Christian Pagès
 
Les locaux et les fondateurs
 
Le fondateur du Forum, Chris Pagès est un artiste engagé dans la création scénique et dans la transmission de l’expérience professionnelle.
 
Né à Rabat, au Maroc, en 1951, Christian Pagès voyage durant toute son enfance avant de se stabiliser à Paris pour y suivre des études de lettres et d’ arts plastiques. Très tôt il devient comédien, danseur et chanteur. Il est aussi chorégraphe et metteur
 
 
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Les tarifs
 
Nos élèves ont deux statuts possibles:
la FORMATION INITIALE ou la FORMATION CONTINUE
La formation initiale donne un statut "étudiant", vous dépendez alors du CROUS et de la sécurité sociale étudiante (LMDE ou SMEREP).
La formation continue concerne les personnes actives (salariés, intermittents...). Cette formation se prend dans le cadre d'un congé individuel de formation et est financée par
 
 
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Admission
 
CONDITIONS D'ADMISSION

Expériences artistiques:
Nous demandons à nos élèves d'avoir une expérience dans au moins l'une de nos trois disciplines.
Nous restons volontairement vagues sur ce que doit être cette expérience.
Des dérogations peuvent exceptionnellement être accordées à des débutants.

Niveau scolaire:
Nous sommes une école supérieure, donc post-bac.
Nous n'exigeons pas le bac mais
 
 
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Le cursus à l’école
 
Le cursus complet dure trois ans: l’année préparatoire, l'année de formation générale et
l'année d'orientation. Ce n'est qu'au bout de ces trois ans que l'on peut obtenir le
diplôme de l'école.
 
La première année:
L’année préparatoire
Cette année est une année de découverte des bases de la formation. Il s'agit de se diversifier et de comprendre les bases du travail de l'artiste.
Les trois axes
 
 
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L’histoire de l’école
 
L’école supérieure du spectacle existe dans le cadre de l’association culturelle à but non lucratif régie par la loi 1901, Au Forum du Mouvement, née en 1977.
Son but est d’enseigner et d’informer sur les techniques scéniques du mouvement.
L’école supérieure du spectacle est une école et non un studio de cours. Sa formation demande une réelle implication de la part des élèves ainsi que la
 
 
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Depuis sa fondation en 1977, Le Forum du Mouvement offre une formation professionnelle et polyvalente aux artistes dans le cadre de l'École Supérieure du Spectacle.

L’école supérieure du spectacle
Trois axes:
Les disciplines sont abordées suivant trois axes: la technique, la théorie et la créativité. Ces trois axes sont tous aussi importants
pour un artiste. L'absence de travail dans l'un des trois lui fermerait des portes et l'empêcherait de faire ses propres choix.
 
La technique
La technique est la base de notre enseignement dans les trois disciplines :
Chant:
Technique vocale, placement de la voix, interprétation, mise en scène, solfège, atelier d'écriture, répertoire français et international.
Théâtre:
Théâtre corporel, training de l’acteur, lecture, diction, exercices de base, analyse du comportement de l’acteur, travail sur des scènes, des
monologues, des poèmes, improvisation.
Danse:
Assouplissement et musculation en longueur, placement, coordination, travail de la vitesse, mémoire chorégraphique.
 
La théorie
La théorie a pour but de donner une culture artistique
et des compétences permettant d’acquérir de l’autonomie :
Histoire et actualité du spectacle:
Histoire de la danse, du théâtre et de la musique, invitations pour des avants-premières, des représentations.
Solfège:
Ecriture et lecture musicale, étude des rythmes...
Culturel artistique:
Anatomie, pédagogie, rencontre avec des artistes, conférences...
Analyse et réflexion:
A partir de documents vidéos sur le travail de grands auteurs et leur conception du spectacle vivant...
 
La créativité
La création est indispensable à un artiste. Quelle que soit la discipline choisie et l’emploi occupé, l’artiste doit faire preuve de créativité :
Ateliers de création:
Composition, chorégraphie, montage scénique, création de groupe, expérience de plateau.
Expériences scéniques:
Participation à des représentations régulières: spectacles, animations...
 
 
Bulletins d informations
Pour accéder à nos bulletins d’information trimestriels en ligne cliquez ici:
mars 2007  Bulletin d'infos.pdf
juillet 2007 bulletin juillet 2007.pdfD79B7D03-9B08-4CC9-A762-CCF272195F9B_files/Bulletin%20d%27infos.pdfD79B7D03-9B08-4CC9-A762-CCF272195F9B_files/bulletin%20juillet%202007.pdfshapeimage_8_link_0shapeimage_8_link_1
Adresse  
34 rue Orfila 75 020 Paris
Métro Gambetta
Tél
01 48 06 68 01
Mail
Notre formation
Professionnalisme:
Le professionnalisme est celui des professeurs mais aussi des élèves lors des expériences scéniques et enfin des contacts que nous leur apportons. Les années passées chez nous ne sont pas uniquement des années de formation mais aussi des années d'expériences professionnelles.
 
L'Ecole Supérieure du Spectacle est un centre de formation professionnelle. Le professionnalisme est donc l'un des aspects majeurs de notre formation. Les années passées dans notre école ne sont pas seulement des années de formation mais aussi des années d'expériences professionnelles.
 
L’école propose une formation professionnelle demandant beaucoup d’implication personnelle. Cette formation fait partie de la carrière d’un artiste. Dès le début de la formation, l’approche des trois disciplines est professionnelle.
 
Les professeurs sont tous des professionnels du chant, de la danse ou du théâtre.
Ils sont des artistes ayant une activité professionnelle et des pédagogues ayant de
l’expérience. Quel que soit votre niveau, ils prendront le temps nécessaire pour vous aider à devenir un artiste autonome et solide.
 
Tout au long de la formation, le professionnalisme est mis en avant que ce soit
dans le cadre des représentations organisées par l’école ou par le biais de contacts avec des employeurs potentiels. La qualité de nos spectacles et la sélection des offres d’emploi ainsi que des élèves pouvant y répondre sont la preuve de notre
professionnalisme et de notre sérieux.
 
L’école aide ses étudiants à s’insérer peu à peu, sagement et intelligemment dans la vie professionnelle. Elle propose aux étudiants des contacts professionnels
variés et nombreux afin de les aider à développer leur expérience professionnelle
et leur carnet d’adresse.
Polyvalence:
La formation est composée de trois disciplines: le chant, la danse et le théâtre. Dans chacune de ces disciplines, de nombreux genres et styles sont abordés grâce à la polyvalence de nos professeurs et aux nombreux intervenants.
 
Au-delà d'une technicité, la polyvalence permet à l'artiste de se trouver. 

Il prend de la distance avec lui-même et est ainsi plus libre qu'avant. La technique ne l'enferme pas. Au contraire, elle lui permet d'être lui-même.
 
La polyvalence est obligatoire pour tous nos élèves.

Cela ne signifie pas que nous nions les goûts, les choix et les expériences de nos élèves. Au contraire, cette formation complète permet à chaque élève de se connaître et de faire ses choix. Notre formation débouche nécessairement sur la réalisation d’un projet personnel.
 
La polyvalence facilite aussi les choix professionnels de nos élèves. 

Après avoir reçu une formation complète, les élèves font vraiment leurs propres choix professionnels car ils se connaissent mieux et sont moins influençables. Ainsi les compliments de l'entourage et les limites de l'expérience ont moins d'importance.
 
En art, toutes les disciplines se rejoignent.

L’acteur doit placer sa voix, et son corps est partie prenante de son jeu. Le chanteur joue un rôle tout en faisant signifier son corps. Enfin, le danseur compose un personnage. La polyvalence permet une expression libérée de l’emprise d’un style et la personnalisation des moyens d’expression de l’artiste. C’est en se pliant à de nombreuses disciplines que le talent trouve peu à peu son support de prédilection.
 
La polyvalence est aussi dans la diversité de la création artistique...

La polyvalence est le meilleur moyen de ne pas se fermer de portes mais aussi de ne pas enfermer son talent. La polyvalence ne se situe pas seulement dans la pluridisciplinarité mais aussi dans la diversité des styles abordés dans les trois disciplines. Que ce soit en chant, en danse ou en théâtre, l’école propose de former ses élèves à la diversité de la création artistique.
 
Le monde du spectacle évolue très vite, au rythme de la création artistique, entraînant des taux de chômage record d’artistes qui ne parviennent pas à s’insérer dans cette évolution. La pluridisciplinarité est une
réponse efficace à ce problème. Les artistes de demain seront polyvalents, c’est le signe du vrai professionnalisme de plus en plus recherché par les employeurs. L’école veut former des artistes complets qui sachent tout faire tout en permettant à chacun de cultiver ses dons et ses goûts.
 
La formation de l'ESS porte sur trois disciplines: le chant, la danse et le théâtre.
Il n'y a pas de matière principale car ces trois disciplines ont la même importance à nos yeux. Notre but est que nos élèves deviennent des artistes techniques et
créatifs donc solides et autonomes.
Le mouvement:
Le mouvement et le corps sont au centre du travail de l'acteur, du chanteur et du danseur. Le travail du corps permet une meilleure connaissance de soi-même et une meilleure maîtrise de l'espace autour de soi. Le corps est plus que l'esprit l'allié de l'artiste. C'est pourquoi dans les trois disciplines nous insistons sur un travail corporel important.
 
Le corps est au centre du travail de l'artiste

Le travail technique de l'artiste est un travail corporel. Ce n'est pas avec sa tête que le chanteur peut placer sa voix, mais bien avec son corps; le danseur ne peut pas non plus compter sur sa tête pour se placer; et l'acteur ne peut être juste s'il ignore son corps. L'interprétation vient du corps. C'est en travaillant son corps que l'artiste peut
trouver sa personnalité, sa vérité et ainsi trouver son personnage et l'interpréter.
 
Notre formation s’articule autour du travail du corps.
Le corps est au centre du travail du chanteur,
du danseur et de l’acteur.
 
Il y a plusieurs façons de travailler son corps 

L'artiste, en travaillant son corps, se libère des contraintes posées par sa tête. Il doit donc naturellement travailler son corps de plusieurs manières et ainsi s'ouvrir davantage. Le travail du corps n'est pas le même en chant, danse et en théâtre mais il est complémentaire. Pour le travail du corps, la polyvalence est aussi un atout.
 
Le corps nous permet de nous situer dans l'espace. 

C'est en travaillant son corps que l'on peut connaître son espace intérieur ainsi que l'espace extérieur. Que ce soit sur scène, devant une caméra ou un objectif, l'artiste s'exprime par son corps et doit se situer dans un espace précis qu'il chante, danse ou joue la comédie.
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